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1972 - Aguirre, der Zorn Gottes

Director: Werner Herzog
País: Alemania
Traducción: Aguirre, El Azote De Dios
Año: 1972

«Aguirre» es otra obra maestra producto de la combinación Herzog-Kinski (en dirección y actuación respectívamente), otra de sus lecturas magistrales a leyendas y grandes obras literarias (en 1979 la infame dupla revelaría su excelente y única versión del clásico «Nosferatu»), agregando el sello del director en cuanto a una mirada sombría y devastadora sobre la naturaleza humana.

Es la historia de hombres cegados por la avaricia y las ansias de riqueza que son capaces de embarcarse  en una misión suicida sólo por la promesa de encontrar la mítica ciudad del oro, «El Dorado». Comandados por el malvado Lope De Aguirre (Kinski), quien no sólo se muestra como un traidor desde el comienzo, sino que también cuenta con planes nefastos y diferentes a la simple promesa del oro. Cada una de las escenas de la película ayuda a afirmar la idea de claustrofobia y enajenación que respiran los personajes, a pesar de que se encuentra ambientada en el aire libre de la selva amazónica.

Es una apología al poder totalitario y a la pérdida de la voluntad de los individuos ante el poder. Una vez que Aguirre toma el control del grupo, en adelante sólo nos queda contemplar la decadencia del nuevo y autodenominado «reino», la corrupción del poder eclesiástico y la caída de la recién establecida monarquía. Sin embargo, Herzog logra dejar un espacio para la piedad y pureza, representados en uno de los pocos personajes femeninos de la película.

La banda sonora, o mejor dicho su casi ausencia contribuye en gran manera como un elemento más al tono lúgubre de la película. Una canción fúnebre que acompaña en algunos momentos, la música altiplánica que uno de los indígenas esclavos interpreta en ocasiones para animar a los hombres, más un breve tarareo por parte del más macabro personaje (y que resulta no ser Aguirre), y que se vuelve sobrecogedor con el correr de la película, es toda la música que encontramos, dejando más bien que el silencio reine y se convierta en un elemento más del remolino de locura que envuelve a nuestros personajes.

En cuanto a la resolución del conflicto, está a la altura de su desarrollo y cuenta con un plano en trecientos sesenta grados que imagino para la época debe haber sido innovador. No sólo eso, también hay varias leyendas circulando en cuanto a la realización de la película que parecen ser ciertas luego de observar el resultado final.

«Aguirre» es una obra que soporta la arrogancia de su nombre dignamente hasta la actualidad, a más de cuarenta años de su realización y sin disminuir en absoluto su poder sobrecogedor sobre el espectador, tal como las obras maestras del cine deben ser.

The Beaver

2011 - The BeaverTraducción: Mi Otro Yo
Directora: Jodie Foster
País: Estados Unidos
Año: 2011

«The Beaver» me llamó la atención desde el momento en que vi el trailer. Me sonó bastante interesante la idea de que un actor que viene en la curva de bajada de su carrera (Mel Gibson) una fuerzas con una actriz que siempre ha merecido mis respetos y que más encimas las oficia como directora en una película donde hay un títere que habla. Todo perfecto para llamar mi atención.

Y la intuición no me falló. Se trata de una película bastante cruda sobre los efectos de la depresión endógena en personas adultas. El protagonista es un  hombre con la vida aparentemente resuelta, pero que debido a haber heredado la enfermedad antes mencionada, se convierte, casi literalmente, en un muerto en vida. Y en el peor momento de la crisis, descubre su otro yo que le habla a través de un títere en su mano, y le dice: «Yo soy el Castor, y vine a salvar tu vida». De ahí en adelante jamás se despegará del Castor, y bajo su guía, poco a poco comenzará a retomar su vida, con resultados disparejos.

Suena bastante predecible, y de hecho lo es, pero la gracia de esta película no son los giros inesperados, sino la forma en que se cuenta la historia, la narrativa, y por sobretodo las actuaciones de la pareja protagonista. En este sentido debo reconocer que la directora/actriz se destaca en el papel de esposa y madre abnegada que soporta cualquier golpe de la vida con tal de conservar su familia unida, a pesar de no ser la protagonista y por lo tanto tener menos escenas. La película tiene también muchos detalles que nutren al guión de peso y credibilidad, los personajes secundarios están bien balanceados y aportan en la medida suficiente a la trama, y cuenta con un ritmo pausado pero firme que no la hace aburrida para nada.

En suma, es de las mejores películas de este año (de las que he visto) y la recomiendo para todo público.

Finding Neverland

2004 - Finding NeverlandTraducción: Descubriendo Nunca Jamás
Director: Marc Forster
País: Inglaterra
Año: 2004

Se trata de la historia del escritor James Matthew Barrie, y de los eventos que lo llevaron a crear su obra cúlmine, «Peter Pan». Es una película bellísima, quizás no la mejor en su tipo, pero cerca. La narración se toma su tiempo en revelarse, pero después de una partida un poco lenta y dispersa, se ordena y nos muestra su real belleza, fundada en el hecho de estar basada en conmovedores acontecimientos reales. Sobre el reparto, aparte de Johnny Depp, Kate Winslet, Dustin Hoffman, Julie Christie y Freddie Highmore (el pequeño que un año más tarde compartiría nuevamente escenario con Johnny Depp en Charlie and the Chocolate Factory) en los roles protagónicos, encontramos una variedad de actores «secundarios» que probáblemente hemos visto en muchas otras películas. Con toda esa pléyade tililando, el resultado no podía ser malo. Y no lo es, en absoluto. La premisa es sobre creer: si creemos en nuestras ideas ellas existen, y nosotros en ellas. Mensaje especialmente sensible para los que a veces vivimos más en nuestros universos, y constantemente chocamos en este mundo «real», pero que al estar realmente convencidos logramos mantenernos vivos allá (y acá), y con entrenamiento, podemos llevarnos a nuestros más queridos a conocer nuestros propios «Neverlands». Vivir en lo que uno hace, más allá del reconocimiento, eso es. Hasta los ateos podemos creer en eso, y hacer el bien a los demás con nuestras convicciones. Profúndamente emocional e inspiradora, lo que me resta por decir de esta película es que ojalá que así como a mi, este tipo de historias inspire a alguien más a decidirse por crear mundos, sean del tipo que sea.

 

The Wrestler

2008 - The WrestlerDirección: Darren Aronofsky
País: Estados Unidos
Traducción: El Luchador
Año: 2008

«The Wrestler» se tomó su tiempo, pero ha pasado sin duda alguna al grupo de mis películas favoritas, no sólo por ser una buena película a secas, sino por una serie de otras razones que paso a detallar.
Cualquiera que me conozca sabe que no tengo afinidad alguna con los «deportes» como el boxeo, lucha libre, karate, etc., pero esta película va mucho más allá de eso. Aquí el tema es la pasión por lo que a uno de veras le gusta hacer (que en muchos de nuestros casos no es la profesión que estudiamos), se trata de ese único lugar en que no nos sentimos rechazados y nos sentimos protegidos y queridos por nosotros mismos, porque sabemos que lo que hacemos lo hacemos bien, exista o no exista alguien más que lo aprecie, y el único efecto que puede hacerle el paso del tiempo a la pasión, es que que se haga más fuerte y obstinada.
Es una película nétamente emocional, cargada de referencias a los ochenta y con bronca hacia los noventa (notable la referencia a Kurt Cobain, aunque no la comparto plenamente). Darren Aronofsky es un director ya reconocido y que no merece mayor alabanza acá, salvo reconocer y envidiar, en cierta forma,  el cómo logra poner su sello propio a cada película. En este sentido me gustaría destacar el uso del sonido (no sólo de la banda sonora) de esta película. Ya en Pi (1998) y Requiem for a Dream (2000), Darren Aronofsky nos había mostrado cómo hacer una sinfonía de horror con los sonidos sincronizados que hacían de las situaciones terribles algo aún más terrible. Acá en «The Wrestler» la respiración de protagonista, los golpes secos, las voces, etc. nos hablan de la difícil biografía del personaje, y agudizan el sentido de redención y soledad de la película.
Sobre los actores, se habló mucho de la «reinvención» de Mickey Rourke, y tienen mucha razón: el actor logra crear un personaje convincente y realista, en constante lucha interior por las glorias pasadas y la necesidad de ser el hombre y padre fuera del escenario que nunca supo ser. Las actrices «de reparto» también sacan aplausos: Marisa Tomei como una «segunda luchadora» también merece reconocimiento en su papel de bailarina de cabaret en busca de redención en su vida y en constante lucha también contra el paso del tiempo y las autolimitaciones emocionales que la vida dura le ha impuesto, y la bellísima Evan Rachel Wood como una pequeña chica ruda, pero con un vacío en cuanto al cariño de padre que al parecer sería sanado con la re-aparición del mismo en su vida.
No quiero extenderme más, aunque hay muchos pequeños detalles que seguro se me olvidan ahora. Un último comentario: «The Wrestler» es una película que puede hacer llorar a hombres rudos, sin que eso signifique ningún tipo de debilidad.
Debo hacer una mención especial a lo de trabajar en supermercados y al público de un espectáculo (de cualquier índole), son dos cosas que conozco bien.

La Habitación De Fermat

2007 - La Habitacion De FermatDirectores: Luis Piedrahita, Rodrigo Sopeña
País: España
Año: 2007

Definitivamente, algo pasa con el número siete. Así como anteriormente mencioné a 1997 como un año de buenas producciones, el 2007, particularmente en España, ocurrió más de un fenómeno de inspiración divina en algunos directores. Por mencionar ejemplos, tenemos a «Los cronocrímenes» y «[Rec]», concebidas, juradas y sacramentadas en el país de la patraña. Pues bien, hoy el turno es para «La habitación de Fermat», película mezcla de «Saw» (2004), «Pi» (1998), el tratamiento clásico que se le da al pecado de la ambición en el cine, y un elemento típico del cine negro: una mujer fatal, bastante fatal y actualizada a nuestro tiempo, todo esto envuelto con una capa de matemática y lógica.  Además cuenta con diálogos bastante ingeniosos, un buen uso de los efectos especiales y por si fuera poco, no es demasiado larga (no pasa de la hora y media). ¿El argumento? Cuatro matemáticos siempre ambiciosos de desafíos son citados por un misteriosa mente maestra para resolver «el acertijo más gande de la historia». Simple, pero en el camino veremos cómo se a partir de ahí se desarrollarán varias y sabrosas historias paralelas, incluídas la de un barco en donde ocurrieron cosas «ilegales en cualquier parte del mundo» (quizás a qué diablos se refieren). Absolútamente no recomendable para claustrofóbicos.

1986 - Hombre Mirando Al SudesteDirector: Eliseo Subiela
País: Argentina
Año: 1986

En Argentina no sólo se hace el mejor rock de Latinoamérica (y eso que no nací allá), sin que a veces se hace cine de la mejor calidad. Aprovechando la efervescencia de estos día por «El secreto de sus ojos» (2009), hoy comento y recomiendo otra producción transandina. Se trata de «Hombre mirando al sudeste» (1986), en la que se narra la relación de un paciente de manicomio (que dice venir de otro planeta) y su doctor, y de cómo podrían estar ambos equivocados en la representación de sus respectivos roles sociales. Suena a trama humanistoide facilista, y en parte sí lo es, pero si nos situamos en el contexto histórico de Argentina al momento de la realización de esta película (algo parecida a la de Alemania después de la Primera Guerra Mundial), podemos entender mejor su significado. Cabe mencionar la participación del siempre correcto Pedro Aznar a cargo de la composición de la banda sonora (disculpemos, eso si, a la edición de sonido), además de mencionar que a esta película se le hizo un remake en el año 2001, llamada «K-PAX» protagonizada por Kevin Spacey (adivinen en qué papel) y el reciente gandor de los premios Oscar Jeff Bridges. También podemos encontrar referencia directas, si es que no plagios descarados a esta película en la cinta chilena «Fuga» (2006). Y un dato curioso: el áctor protagonista, Hugo Soto, murió unos años después de la realización de  «Hombre mirando al sudeste», debido a una conocida enfermedad viral. Quizás de veras se fue al planeta de donde decía ser su personaje más recordado.

1997 - Devil's AdvocateTraducción: El abogado del diablo
Director: Taylor Hackford
País:Estados Unidos
Año: 1997

Una vez más el personaje más entretenido de la Biblia (como no, si es el que le da el contrapeso a toda la trama de dicho libro) es encarnado, filmado, y exhibido. Y qué mejor actor para interpretarlo que Al Pacino, contrastado con Keanu Reeves en uno de sus mejores papeles (de hecho fue esta película la que le dio el pasaje a The Matrix (1999) y a la inmortalidad), además de la bellísima Charlize Theron. Un inescrupuloso abogado y su misterioso jefe, acompañados de un séquito de personajes turbios y un muy bien logrado guión logran rápidamente involucrarnos en la trama, y así, casi sin darnos cuenta, pasamos más de dos horas bastante entretenidas (insistiré con el término «entretención» hasta que sea bien entendido lo que quiero decir). A veces los temas mostrados son un poco fuertes, incluso para una persona como yo, pero si se cuentan de buena forma, resultan hasta agradables de presenciar. En suma, The Devil’s Advocate es otra buena película de la cosecha 1997, año del cual ya comentaré otras excelentes entregas.

2003 - The Life Of David GaleTraducción: La vida de David Gale
Director: Alan Parker
País: Estados Unidos
Año: 2003

Kevin Spacey, Kate Winslet y Laura Linney juntos, dirigidos por Alan Parker: nada malo podía salir de semejante combinación de talentos. The Life of David Gale nos presenta un debate interesantísimo sobre un tema polémico, como es la pena de muerte. Una comprometida reportera es llamada a entrevistar a un profesor de filosofía alcohólico, aparentemente dominado por sus pasiones, que tiene una delicada situación familiar y cuya pasión es la defensa de los derechos humanos, específicamente su lucha es por la abolición de la pena de muerte en el estado más famoso del mundo por aplicar esta medida: Texas, en Estados Unidos. Irónicamente, él mismo se encuentra en la cuenta regresiva para ser ejecutado, condenado por violación y asesinato. El director  Alan Parker ha dedicado su cine a mostrarnos temas de discusión ético-moral y de derechos humanos pertinentes a nuestro tiempo, y lo ha conseguido de muy buena forma en la mayoría de sus películas, y esta no es la excepción. Si tú, voyerista lector, eres de las personas que simpatizan con este tipo de temas, este largometraje puede convertirse adictívamente en uno de  tus favoritos, incluso puede ser útil para ti, si eres profesor de humanidades. De filosofía, por ejemplo.

The Usual Suspects

1995 - The Usual SuspectsTraducción: Los sospechosos de siempre
Director: Bryan Singer
País:Estados Unidos
Año: 1995

Guión, guión, guión. Un amigo mío dice que la clalve de toda buena película reside en el guión. A veces estoy de acuerdo con él, como en este caso. El director Bryan Singer (actual titiritero, es decir, productor ejecutivo, de la serie «House M.D.», para los que gustan de los matasanos parlanchines) supo elegir y adaptar la historia excelentemente. Pero no todo queda en la dirección, porque si además le agregamos una notable interpretación por parte de TODOS los actores involucrados, sumado a una correcta edición de sonido y unas pizquitas de Gore, nos queda una película realmente memorable (literalmente), y en el mejor de los casos, inspiradora. Mención especial para el balbuceo Inglés-Español-Esperanto-Romané del personaje de Benicio Del Toro (que dicen las malas lenguas que fue una improvisación del actor), y como no, para el siempre destacable Kevin Spacey, quien con su personaje con cara de «vuelve el perro arrepentido», nos va dando pistas, con cuentagotas, sobre la verdadera maldad detrás de la historia, aunque sin llegar a estropearnos la sorpresa del clímax. Finálmente, debo confesar que después de ver esto, puedo decir que no le temo ni a Spiniak, ni a la Quintrala, ni al diablo mismo, pero sí a Keyser Soze.

2009 - El Secreto De Sus OjosDirector: Juan José Campanella
País: Argentina
Año: 2009

Así como para el protagonista de «El secreto de sus ojos» era difícil comenzar a escribir su novela, así de difícil es comenzar este comentario. Pero ahí vamos… en los primeros quince a veinte minutos de esta película podemos encontrarnos haciendo preguntas como: ¿ Cómo es posible narrar una historia de amor añejada en los archivos de los tribunales? ¿Cómo es que un pequeño, (pero significativo) ejercicio psicológico por parte del protagonista va a enlazarse con el resto de la complicada trama? ¿Cómo puede un crimen, en apariencia ordinario, transformar la vida de todos quienes estuvieron involucrados en el caso? Todas éstas son preguntas que van respondiéndose al ritmo de un relato maduro y accesible. La película cuenta con un guión excelente, reflejado en la construcción de personajes creíbles y queribles, un muy cuidado manejo de la fotografía y estética, un impresionante trabajo de cámara, entre otros elementos destacables que no menciono porque debo ahorrar alhagos para otras películas que ya comentaré. «El secreto de sus ojos» deja la vara bastante alta para los realizadores latinoamericanos. El premio Oscar que recibió en la última entrega fue muy bien merecido. ¡Ah! Mención aparte para la escena del interrogatorio, que dejó chica a la escena del interrogatorio de «The Dark Knight» (2008).